Reflexión en el XXIII Encuentro Pedagógico Carmen Meda
Versión en Castellano
Lo he titulado El arte como Integración permanente y a continuación se los comparto. Lo pueden descargar en el siguiente link también:
http://www.colegiomadrid.edu.mx/documentos/EncuentroPedagogico2015/Ponencias/EP15_M5_PC.pdf
El
arte como integración permanente
Jorge Trujillo
Abstarct:
Consideraciones
básicas que vinculan al arte como un conocimiento ligado a las demás ramas del saber
humano, relacionándose a la educación y el posible aprovechamiento de las
nuevas tecnologías para percibir la realidad de un modo más consciente.
“Nosotros
nos consideramos combatientes.
El
artista no se limita a observar.
No es solo la percepción lo que está al
alcance de todos,
sino
la realidad misma.”
Heath
Bunting[1]
INTRODUCCIÓN
Aún hoy, es de suma importancia tener familia, colegas, amigos
y alumnos socialmente responsables y comprometidos con ideales comunes. Si las
diversas ideologías y capacidades adquisitivas de todos no fuesen un obstáculo
recurrente para poder protagonizar de manera unívoca y colectiva ciertas
acciones comunes, y promover mejoras a nuestros paradigmas y entornos,
seguramente este siglo XXI ya comenzaría a ser más justo y equitativo para la
mayoría. Probablemente los objetivos del Milenio no estarían tan lejanos para
un país latinoamericano como lo es México.
Desde la perspectiva artística, surgen varias preguntas
sobre el ¿cómo procurar y coadyuvar en
la retroalimentación de una sociedad por sensibilidad, acceso a la cultura y
sobre todo de una crítica analítica frente a la ola de tragedias sociales de
cada día? Pues finalmente uno como productor de objetos y experiencias
artísticas, es al mismo tiempo co – creador y co – responsable de dicha labor,
la cultura común y de una sensibilidad colectiva.
Es un hecho que nuestra “cultura” está francamente lastimada
por ciertos eventos locales, regionales e internacionales y en este contexto,
la premisa de “El arte como vía para la búsqueda de sentido”, tiene
mayor vigencia y sobre todo mayor motivo de pronunciarse.
La siguiente reflexión escrita procurará revisar
humildemente ciertos aspectos para no perder un hilo conductor en torno al arte,
el aprendizaje, la cultura y el embate tecnológico digital ahora que me sumo a
la docencia en las artes visuales. El cuestionar en colectivo el ¿por qué y
para qué hacer arte? sin tecnicismos curatoriales o cátedras ortodoxas de
teoría del arte o de pedagogía extensiva, es el leit motiv del escrito desde la
perspectiva de mi propio quehacer como artista actual y desde mi perspectiva en
la transmisión de saberes. Para finalmente aportar un par de consejos
fundamentados en el continuo ejercicio de la contemplación artística actual y para
la práctica de lo sensible con base a un par de autores como Edgar Morin,
Gregory Bateson y Humberto Maturana.
1.-Todo escolar sabe o aprendizaje
de lo visual para
el principiante
”el lenguaje ha hecho al hombre que ha
hecho al lenguaje; de igual modo, el lenguaje ha hecho la cultura que ha
producido el lenguaje.” Edgar Morin, El Método III, p.132
Aprender
no se restringe únicamente a una adquisición de saber/hacer, sino que también,
es un saber hacerse de la adquisición del saber y en este sentido la
información es materia prima para el lenguaje en que transformamos lo que
aprendemos. Así como el conocimiento se da por un juego o interacción de
dualidades de manera constante, complementándose una y otra vez.
Sea aprendizaje artístico o no, el asunto es poder generar
un adecuado lenguaje para el conocimiento, pues sólo el mismo lenguaje es el
que está capacitado como dice Edgar Morin en sus “Métodos”, para asegurar la
reproducción cultural, y entre mejores expresiones de lenguaje, mayor será la
replicación cultural.
Por lo tanto, ya no podemos seguir dependiendo del medio
audiovisual que significa la televisión convencional y analógica para replicar
una cultura más sensata y al mismo tiempo más sensible.
El conocimiento de nuestra propia existencia y de nuestra
conciencia sensible está en jaque por lo que asumir las alternativas en la
replicación de cultura es un deber. Mas no todo está en youtube desde luego.
Por otro lado, sabemos pues lo vivimos, que la tecnología
(además de sus grandes beneficios) ha alterado también el quehacer de nuestra
acción en el mundo cada vez más occidentalizado, dejando cada vez más de lado,
la correlación de la totalidad unitaria con la naturaleza. Por lo tanto, el
quehacer tecnológico viene dirigiendo en gran medida el hacer contemporáneo de
nuestro mundo cultural y sus expresiones como el arte. Así, el cine ha sido un
claro ejemplo de lo anterior y del desarrollo tecnológico desde 1885 con el
descubrimiento de la fotografía y la reproductibilidad de la imagen.
Sin duda, desde la perspectiva de la recepción y del consumo
contemplativo en los públicos pasivos y activos, la labor de la producción
artística contemporánea como la audiovisual es ardua como en muchas otras
disciplinas, pero en ésta última es altamente evidente por los efectos tecnológicos
en esta nueva etapa del arte por la alta gama de posibilidades de
postproducción y por la fuerte dosis de contenidos subliminales en los mismos
productos que se convierten en publicidad.
Considero que sólo la praxis de recrear y materializar las
ideas colectivas sin animo de lucro absoluto al mercado y de dependencia al
dinero, puede generar las sinapsis necesarias en cada individuo de cada una de
las nuevas generaciones, para la contemplación o recepción de ficciones tan
inverosímiles como por ejemplo la idea de un aleph Borgiano o de realidades tan
crudas como en el filme francés Mourir
á Madrid de Frédéric Rossif, (1963) que relata la cruel experiencia de
la guerra civil española, o hasta las propuestas visuales de Jenny Holzer con sus proyecciones audiovisuales y
conceptuales usando mega proyectores sobre la pirámide del museo de Louvre en
París por ejemplo.
Para un productor plástico y
visual que empieza a hacerse camino, es muy estimulante el poder generar un
conjunto de habilidades y conceptos entrelazados, que permitan tener una
capacidad de expresión interesante e integral y que no se limite al ejercicio y
apoyo de las ciencias duras y de las ciencias sociales al expresarse
técnicamente
.
Así, poder “recrearse” en lo
personal y creativo podría ser un acercamiento al concepto de hombre o más bien
de ser humano que alguna vez relató Marx y parafrasea en su libro Erich Fromm[2], o a un
homo sapiens mas integral que lo que se ha sido hasta el momento y si no es ese
el perfil que debiese tener el ser humano, ¿no habría de construirlo y
definirlo para este siglo a la de ya?
Lo anterior lo enuncio bajo la hipótesis
de considerar que el porvenir del ser humano y de nuestra especie esta íntimamente
ligado al porvenir integral no sólo del desarrollo tecnológico y de nuestra
mente, sino de nuestra sensorialidad absoluta con el cuerpo.
Tener más y más posibilidades de
percibir nuestras realidades comunes, integrarlas y después de ello sintetizar
a modo de praxis nuestros pensamientos y sensaciones si ha de ser el modo de
ser más consientes. Al menos yo sí apuesto por ello, apuesto por otro orden
sistémico por más complejo que pueda ser y por más arte que tenga en su aspecto.
“(...) para la creación de un nuevo
orden son indispensables las operaciones de lo aleatorio, la plétora de
alternativas no resueltas (entropía).” Bateson, Espíritu y naturaleza p. 43)
Dos es mejor que sólo uno, sí, o
más también es mejor, siempre y cuando sea a modo cualitativo y no sólo
cuantitativo para la recepción/integración mental de las ideas y experiencias. Desarrollar
nuestros dos hemisferios por igual, al menos tendría que ser el reto de todos
para procurarlo a las nuevas y actuales generaciones.
“(...)
el de que dos fuentes de información (a menudo en modalidades o lenguajes
contrastantes) son enormemente mejor que una sola.”
Bateson,
Espíritu y naturaleza, p. 71
2.- Arte - conocer
El
ejercicio intelectual que sucede en la mente de un artista no se ve
exteriorizado en la gran mayoría de veces ni necesariamente a través de
materiales tangibles y ortodoxos de la realidad (libros o revistas) que
difunden parte del conocimiento, pero no por tanto, no se lleva a cabo un
ejercicio artístico – intelectual completo y complejo. Me parece que la
complejidad de este tipo de ejercicios intelectuales con resoluciones a veces
fugaces, radica en la manera de percepción-relación en primer momento con el
creador y en segundo momento con el espectador y su capacidad de interpretación
de la realidad.
Mejorar
las maneras de percibir saberes en las aulas y no sólo de adquirir el mundo y
sus saberes de modo unívoco, es una vía urgente en contextos difíciles como el
mexicano.
La dialéctica de Edgar
Morin de llevar acabo acción/conocimiento/comunicación es una pretensión que
debe buscarse entre los realizadores culturales del mismo modo. Sin ella, sí
podemos dudar de la eficacia en la transmisión del “mensaje” artístico que
envuelva a la obra y que contemplemos en una galería, museo, sala de concierto,
sala de cine o en las calles.
“...está todo el reino de la creatividad, el arte,
el aprendizaje y la evolución, en que los procesos de cambio en curso se
alimentan de lo aleatorio.” Bateson, Espíritu y naturaleza p.43)
Por lo tanto, sí considero que el generar nuevas
posibilidades de recepción de información estará ligado al desarrollo de más
opciones aleatorias en las propuestas culturales contemporáneas o actuales y en
los medios de difusión que utilicen los creadores. Como espectadores debemos de
exigirlos para adaptarnos al nuevo siglo. Más arte en las aulas, sí es una vía
de posibilidad para el desarrollo integral de la conciencia. O al menos, más
horas que estimulen de mayor forma nuestros dos hemisferios por igual, ya que
prescindir del desarrollo suficiente de los hemisferios y de su correlación
motriz con el resto del cuerpo es lo que ha de imperar mientras el individuo
crece y se reproduce al transitar en las etapas básicas de la vida.
“Ni la verificación empírica ni
verificación lógica son suficientes para establecer un fundamento cierto del
conocimiento.” Morin, El método III, p.
23
Por lo tanto, equilibrar nuestra vida con propuestas
artísticas sí nos hará conocer. Nuevamente, al menos yo sí apuesto por ello.
Pero no por eso basta con ir una vez a la semana a un cine comercial.
El hacer consciente nuestras propias experiencias es
también, el primer paso para una adecuada producción plástica y visual como de
comprensión del amplio mundo de formas estéticas. Estar totalmente atentos a
nuestra vida y a la belleza es lo que marca también la manera de pensar de la
gente sensible, como los “verdaderos” artistas y desde luego de todos como seres
humanos. La autoconciencia como dice
Humberto Maturana en su libro titulado El Árbol del Conocimiento es esa misma y a la que uno debe de
acceder constantemente al hacer “cultura”.
Bajo esta línea, la premisa “hacer es conocer”, sí se podría
llevar a cabo a modo de revolución permanente trotskiana. Por lo que el
ejercicio del arte es un saber de autoconocimiento relevante y fundamental a la
par de cualquier otra rama del conocimiento y no hobbies de fin de semana
desligados de conciencia. Sin jerarquías, ni el arte es mejor conocimiento que
las ciencias ni viceversa, sólo se ejecutan de manera práctica según las
circunstancias del individuo y de la sociedad, pero sí todas necesarias aunque
en ocasiones se pueda negar por negligencia o ceguera al no aceptar que el
arte, su producción/difusión/recepción es clave para ser, seres humanos.
3. Nuevas tecnologías
“La
importancia de un artista ha de ser medida por
la cantidad de nuevos signos que ha
introducido al lenguaje del arte”
Henri
Matisse
Así
como Platón planteó la idea de que la pintura de una cama nunca será una cama y
la intensión de un artista nunca será con un fin servil[3]
de copiar objetos existentes, si no de referir o representar, el propósito de las
disciplinas artísticas en los medios digitales nunca será copiar o suplir a
otras disciplinas, estas son de naturalezas distintas que fungen funciones
distintas para propuestas y criticas distintas de medios distintos.
A
modo de analogía, para ampliar una formación consciente/educativa al ser humano
o más bien como Friedrich Shiller mencionaba en sus Cartas sobre
la Educación estética del hombre, procurar una mejor educación estética, hoy hay que seguir
introduciendo nuevas tecnologías a la educación y si es a través del filtro de
las propuestas artísticas para asimilar las realidades, la percepción sería más
abstracta y por tanto podría ser más incluyente. Los grupos de Facebook o un
blogg común con los alumnos da excelentes resultados.
Considero
que las nuevas tecnologías son nuevas herramientas puestas a la disposición de
artistas visuales y docentes, cuyos proyectos cada vez tienen menos limitantes
y espacios múltiples para ser llevados a cabo. Desde la visión del creador,
usarlas como autor procura hacerlos más completos y capaces al desarrollar el
lenguaje visual de una manera integral, siendo capaces de experimentar con lo
que requiera la obra y el proceso creativo por el que se sucede. Juntar
lenguaje escrito, verbal y visual es un buen reto académico.
Sin
embargo a lo que si se enfrentan estas nuevas disciplinas artísticas en la
actualidad y su uso académico, es a la aceptación que puedan tener por parte de
una sociedad o un público receptivo. Ya que la gran mayoría carece de
suficiente educación visual y flexibilidad perceptiva para asimilar o aceptar
incluyentemente estas producciones y alternativas visuales distintas, y dejar a
un lado el fetiche y la adoración perpetua por el objeto mismo y las prácticas
docentes no actualizadas a la revolución tecnológica – digital. Ahí hay todo un
campo de posibilidades de educar y percibir mejor como de bibliotecas digitales
en pdf.
“Los
procesos de la percepción nos son inaccesibles; sólo tenemos conciencia de los
productos de esos procesos, y, desde luego, son esos productos los que necesitamos.(...) yo no tengo
conciencia de los procesos de construcción de las imágenes que conscientemente
veo, y segundo, que en estos procesos inconscientes
aplico toda una gama de presupuestos que se incorporan a la imagen terminada”.
Bateson, Espíritu y naturaleza, p. 28
El
desarrollo de distintos dispositivos – herramientas habría de ir de modo
paralelo al del desarrollo educativo y formativo de las sociedades, demostrando
de este modo la madurez y sabiduría tras varios siglos de existencia de las mismas sociedades. En occidente, lo más afín a nuestro país, está
aún lejos de poder ser plenamente receptivo pues tradiciones en la percepción
imposibilitan vías alternas en el desenvolvimiento de tecnologías aplicadas al
arte.
Puede
que se estén democratizando las posibilidades para ver ejercicios artísticos
(refiriéndose a
experimentaciones), pero en contextos como el mexicano,
aún no está democratizado por completo el acceso a la producción artística con
tecnologías nuevas ya que requiere de infraestructura específica y de mayor
cantidad de centros especializados de producción – contemplación, (el Centro
Multimedia en el CNA no es suficiente) los cuales tendrían que estar equipados
con maquinaria e instrumentos importados en su mayoría. Instituciones de lucro
comercial actuales, no proyectan a mayor escala la posibilidad de generar algún
tipo de industria cultural competitiva a nivel internacional por lo que las
exploraciones con nuevas tecnologías en el arte, aún en su mayoría son
accesibles sólo a esferas con capacidades adquisitivas altas que pueden de
manera recurrente y constante proveerse sólo en mercados especializados y casi siempre
fuera de México.
En
este sentido casi ninguna institución de educación media contempla este puente
tampoco.
La
verdad es que en nuestro país, no se encuentra a la vanguardia en nuevas
tecnologías aplicadas al arte pues no se ha valorado lo suficiente el nivel
creativo y propositivo de varios de productores de cultura. Los cuales en la
gran mayoría de los casos tienen que migrar a otras latitudes en busca de
infraestructura pero también de aceptación y de admisión profesional.
Integrar Arduino, Moodle, Z brush, Blender, por ejemplo no
sólo como un par de software que ayude a los artistas, sino a los académicos
para hacer mejores didácticas sería sumamente interesante.
¿Qué pasaría si los alumnos de ciencias hacen modelos
virtuales a nivel medio-superior en alguno de estos programas?, o anticiparse
para que el estudiante del mismo nivel haga su alfabetización también a
distancia con Moodle?, ¿o qué se diseñase la escenografía escolar con su
iluminación con estos mismos programas?, ¿qué pasaría?, ¿Qué pasaría si para
comprender algunos temas de electromecánica e hacen con una aplicación de
software libre?, ¿Qué tanto nos adelantaríamos culturalmente un par de años a
cuando los estudiantes de nivel medio llegasen a la licenciatura, cualquiera
que esta fuese?
Hoy considero que hay que integrar cuanto antes ciertas
metodologías e inclusive mucho antes del nivel licenciatura.
El arte a fin de cuentas sea con métodos más
actuales o más ancestrales, como el personaje Canek de Ermilo Abreu Gómez
parafrasea de alguna manera, propone una manera de penetrar en la verdad, en
las realidades, en la sociedad, no a través del conocimiento únicamente, sino a
través de la emoción. Creo yo en este sentido que el ejercicio artístico de
cualquier disciplina utiliza un lenguaje relacional entre el intelecto y la
sensibilidad, un lenguaje sin el cual una obra de arte y cultural no podría
estar viva, porque no estaría impregnada del autor, seria impersonal, fría y
quieta, la obra de arte en el fenómeno de lo artístico no solamente es un
ejercicio intelectual, es un ejercicio poético que crea situaciones, que
exterioriza inquietudes y por lo tanto involucra a la educación constante.
“Canek habló a Guy:
—Mira el cielo; cuenta las estrellas.
—No se pueden contar.
Canek volvió a decir:
—Mira la tierra; cuenta los granos de arena.
—No se pueden contar.
Canek dijo entonces:
—Aunque no se conozca, existe el número de las estrellas y el número de los granos de arena. Pero lo que existe y no se puede contar y se siente aquí dentro, existe una palabra para decirlo. Esta palabra, en este caso, sería inmensidad. Es como una palabra húmeda de misterio. Con ella no se necesita contar ni las estrellas ni los granos de arena. Hemos cambiado el conocimiento por la emoción: que es también una manera de penetrar en la verdad de las cosas.”
—Mira el cielo; cuenta las estrellas.
—No se pueden contar.
Canek volvió a decir:
—Mira la tierra; cuenta los granos de arena.
—No se pueden contar.
Canek dijo entonces:
—Aunque no se conozca, existe el número de las estrellas y el número de los granos de arena. Pero lo que existe y no se puede contar y se siente aquí dentro, existe una palabra para decirlo. Esta palabra, en este caso, sería inmensidad. Es como una palabra húmeda de misterio. Con ella no se necesita contar ni las estrellas ni los granos de arena. Hemos cambiado el conocimiento por la emoción: que es también una manera de penetrar en la verdad de las cosas.”
Ermilio Abreu, Canek
Conclusiones
El
desarrollo tecnológico es el resultado exitoso del ser humano en busca de
complejidad. Su desarrollo constante a través del tiempo, crea estilos de vida,
entornos propicios y herramientas de superiores en calidad que nos permiten
adaptarnos y desarrollarnos en una dinámica constante lejos de la quietud de lo
que sería el negro profundo de la ignorancia.
Desvincular
al arte y la capacidad que tiene sobre nosotros sería negligencia. La cuestión
es determinar que propuestas coadyuvan en el desarrollo del ser humano a la par
de la tecnología.
Somos
aún seres orgánicos y el equilibrio de lo tecnológico como de lo que aporta la
naturaleza en nuestra sensibilidad es lo fundamental. El equilibrio reside en
los programas académicos a todos los niveles del conocimiento. La producción
cultural con el empleo tecnológico, genera las diversas dimensiones en las
cuales conviven nuestras realidades y percepción del mundo. Desde el
ciberespacio hasta lo que nos rodea en este momento.
El
artista ha de valerse por todos los medios, para crear cultura, para edificar
el futuro, exteriorizando sus inquietudes y haciendo,(siempre), visible lo
invisible para todos, chicos y grandes.
Se
habla de la creación de objetos y de conocimiento como un puente entre el
artista y el espectador, pero en un tiempo en el que los medios digitales
permean el mundo entero con su presencia el objeto material deja de ser la
única manera de crear dicha relación y la docencia tiene que encontrar ahí
espacios creativos para desempeñarse y entender de manera más integral lo que
ya se suponía sabía, pero que siempre ha de actualizarse.
Una
disciplina artística, se desarrolla considerando la idea de poder solucionar,
algunas interrogantes que la percepción manifieste y dar tan sólo pautas o
pistas es lo que la vía artística, en nuestra formación como individuos puede
aportar. La necesidad de contemplar debe llevarse a cabo cada semana de nuestra
existencia, no omitido, aunque sí filtrando aquello que consumimos por los ojos
y los oídos. Ser exteriorizado a través de una disciplina o de varias, para
complementar el conocimiento es una de las aportaciones del arte en la vida.
Finalmente,
quizá la idea de que el arte contemporáneo este más preocupado por el
territorio conceptual y teórico en el ejercicio artístico es simplemente la
adaptación a un entorno lleno de imágenes, en donde el silencio es preciso. Un
entorno en donde el artista lo asume y se asume, apropiándose de él y generando
a partir de éste una visión personal e íntima como la sola posibilidad de
recuperar el espíritu o personalmente de evitar perderlo, para finalmente considerar válvulas de
escape a este orden sistémico que a todos nos compete e incluye, lo deseemos o
no.
Bibliografía
·
Argudìn, Luis, El
teatro del conocimiento, Ciudad de México, UNAM – ENAP, 2013,P.p. 343
·
Bateson, Gregory, Espíritu
y Naturaleza, Buenos Aires, Amorrortu, 1990, P.p. 204
·
Fromm, Erich, Marx
y su concepto del hombre, Ciudad de México, Fondo de cultura económica,
1978, Pp. 272
·
Morin, Edgar, El
Método III El conocimiento del conocimiento, Madrid, Cátedra, 1999, P.p. 261
·
Abreu, Gómez, Ermilo, Canek,
Ciudad de México, Éxodo, 2008, P.p. 84
·
Tribe, Mark, et al, Arte
y Nuevas tecnologías, Colonia, Taschen, 2006, P.p.95
[3] Un artista
no hace arte con un fin servil, no es una copia de objetos existentes y
funcionales, su naturaleza por lo tanto es incierta, que no tienen otro
propósito más que referir o representar a los objetos que pueblan el mundo. Argudín, El teatro del conocimiento pág. 237
[2] El concepto de Marx se acerca aquí al principio kantiano
de que el hombre debe ser siempre un fin en sí mismo y nunca un medio para
realizar un fin. Pero amplia este principio afirmando que la esencia humana del
hombre nunca debe convertirse en medio para la existencia individual. Fromm, Marx y su concepto del hombre, p.64
[1] Artista Británico que junto a Vuk Ćosić, Jodi.org, Alexei Shulgin y Olia Lialina fue
pionero del net.art en la década de los 90s
Comentarios
Publicar un comentario